Non vedevo l’ora di provarli, e non mi hanno deluso, il prodotto vale il costo…
Sto parlando degli acquerelli Daniel Smith, sono sicuramente tra i più apprezzati dagli artisti che utilizzano questa tecnica…presentano una gamma di colori con una luminosità eccellente ed un ottima granulazione, che è la loro particolarità cercata.
Ma cosa significa quando un colore granula?
La granulazione è data da un processo chimico che riguarda le particelle di pigmento presenti all’interno del colore. Nella fase di stesura del colore e di asciugatura dell’acqua, queste particelle si attraggono e formano dei granuli che donano una texture particolare all’opera una volta asciutti.
Non tutti i colori granulano, solo quelli che contengono uno o più pigmenti inorganici contenenti metalli.
Il massimo effetto lo si ottiene su carta ruvida e con acqua distillata.
Quando il cielo si riempie di nuvole grigie e il suono della pioggia batte dolcemente sul tetto, io trovo la mia pace. Ho sempre amato le giornate piovose, con il loro fascino silenzioso e il senso di tranquillità che portano con sé. Ma negli ultimi giorni, questa pioggia incessante mi sta mettendo un mal umore…
Accudire i miei amati animali, Conor il mio cavallo e le caprette diventa più difficile con ogni acquazzone. Lavorare nel fango e nell’umidità diventa una sfida, ma sono sempre gratificata dalla loro compagnia anche sotto la pioggia.
Non posso negare il mio desiderio di primavera… È così che ho trovato ispirazione per il mio ultimo acquerello.
Guardando una foto scattata qualche primavera fa nel mio giardino spettinato ho cercato di catturare la sua bellezza e la sua vitalità sulla carta. Ma i toni che sono emersi, riflettono forse il mio stato d’animo influenzato da queste giornate scure.
E così mi trovo a riflettere sulle dualità della vita: la luce e l’oscurità, la pioggia e il sole, la gioia e la sfida. Ma anche in mezzo a queste dualità, c’è bellezza e crescita.
Foto di Riferimento nell’arte… Fonte d’Ispirazione e Creatività
Le foto di riferimento giocano un ruolo importante nell’ispirare e guidare gli artisti nei loro lavori. Queste immagini sono un po’ il ponte tra la realtà e l’interpretazione artistica.
Possono essere scattate personalmente dall’artista o reperite da varie fonti web dedicate.
Utilizzando le foto di riferimento come guida, si può affinare la comprensione della composizione, della prospettiva e della luce. Sfruttando la fotografia come strumento di studio, si possono affinare le proprie abilità tecniche.
Nonostante la fedeltà alla realtà, l’artista può interpretare e manipolare le foto per adattarle alla propria visione. Si possono esagerare i colori, alterare le forme o combinare elementi da diverse immagini per creare composizioni uniche e coinvolgenti. Questo processo di interpretazione permette di esprimere la propria creatività.
Credo sia fondamentale che gli artisti aggiungano la propria voce e visione unica al processo creativo. L’originalità è ciò che distingue un’opera d’arte da una semplice riproduzione fotografica.
Detto questo è importante rispettare i diritti d’autore e ottenere il consenso appropriato prima di utilizzare immagini di proprietà di altre persone. Per questo consiglio di attingere ai vari siti di foto, dove si possono vedere le licenze e non prendere random sul web o su Instagram foto di professionisti. Che giustamente potrebbero chiedere un compenso per l’uso delle propri lavori, o il pagamento di eventuali royalty.
Le foto di riferimento sono spesso soggette a copyright e quindi l’uso non autorizzato può costituire una violazione legale dei diritti d’autore dell’autore originale. Gli artisti devono essere consapevoli delle leggi sul copyright e assicurarsi di avere il diritto di utilizzare le immagini nelle loro opere.
Una soluzione alternativa per evitare complicazioni legali è quella di creare foto di riferimento personali e utilizzare queste immagini come base per le proprie opere. Questo non solo evita il rischio di violare i diritti d’autore, ma può anche aggiungere un elemento personale e autentico al processo creativo. Ci sono artisti per esempio che a loro volta mettono a disposizione per altri artisti sotto compenso il proprio archivio di foto.
Per quanto mi riguarda per i lavori personali attingo sia dai siti preposti, sia da miei scatti personali ed ho anche acquistato foto che mi piacevano veramente tanto e che mi ispiravano per eventuali lavori.
Visto che vorrei introdurre anche l’uso dell’Acquerello per i miei lavori, ho cercato qualcosa sulle sue origini.
L’acquerello, con la sua capacità di catturare la trasparenza e la luminosità dei colori, ha una storia che parte dalla preistoria, quando i primi esseri umani iniziarono a esprimere la loro creatività attraverso la pittura rupestre.
Le prime forme di pittura rupestre risalgono a oltre 30.000 anni fa e si trovano in grotte sparse in tutto il mondo, dalle pareti delle grotte di Lascaux in Francia alle pitture rupestri dell’Australia e dell’Africa. Sebbene non utilizzassero l’acquerello come lo conosciamo oggi, questi antichi artisti utilizzavano pigmenti naturali, come ossidi di ferro per il rosso e carbone per il nero, mescolati con acqua o sostanze animali grasse, per dipingere immagini di animali, persone e scene di caccia.
Con il passare del tempo, le tecniche pittoriche si sono evolute. Nell’antico Egitto, ad esempio, gli artisti usavano pigmenti misti con gomma arabica come legante per dipingere sui papiri. Anche nell’antica Cina, circa 4000 anni fa, si sviluppò una forma primordiale di acquerello, utilizzando pigmenti minerali e vegetali disciolti in acqua e applicati su seta o carta di riso.
E in occidente? … Non possiamo non parlare del Rinascimento.
Durante il Rinascimento europeo, l’acquerello iniziò a diffondersi in Occidente. Artisti come Albrecht Dürer e Leonardo da Vinci sperimentarono questa tecnica, utilizzandola principalmente per schizzi e studi preparatori. Tuttavia, furono i maestri del XVIII e XIX secolo, come William Turner e John Constable, a portare l’acquerello a nuove vette artistiche, utilizzandolo come medium principale per le loro opere.
Nel corso del XX secolo, l’acquerello ha continuato a evolversi come forma d’arte. Artisti come Paul Klee e Georgia O’Keeffe hanno introdotto nuove tecniche e approcci espressivi, spingendo i confini dell’acquerello tradizionale. Oggi, l’acquerello continua ad essere un medium amato e praticato da artisti di tutto il mondo, con una vasta gamma di stili e approcci, sempre molto apprezzato.
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Oggi vi parlo di arte digitale… darò la possibilità di scaricare alcuni dei miei lavori. Per ora ho caricato il ritratto di gallina, è fruibile con Licenza personale al costo di 5 € o licenza editoriale al costo di 20€. Per quanto riguarda una licenza commerciale preferisco essere contattata tramite mail ruffiniumberta@gmail.com
Ma approfondiamo il discorso… Con il crescente desiderio di possedere e condividere opere d’arte , nasce la possibilità di scaricare e acquistare file digitali direttamente dagli artisti, perciò acquistare e stampare in modo autonomo. Con un semplice clic ad un costo irrisorio alcune opere a discrezione dell’artista diventano fruibili.
Un modo per muovere l’arte, per farla diventare di tutti e non solo per pochi e cosa non meno importante per generare entrate passive per l’artista.
La licenza personale permette al fruitore di utilizzare l’immagine esclusivamente per uso personale, esempio una stampa da appendere in casa, uno sfondo per il proprio pc, non potrà cedere l’immagine ad altri e non potrà commercializzarla in alcun modo.
Licenza editoriale: Con la licenza editoriale, gli acquirenti possono utilizzare l’immagine sul web, arricchendo blog, articoli online, e post sui social media con la bellezza delle opere d’arte digitali. Tuttavia, è importante tenere presente che questa licenza richiede un’attribuzione obbligatoria, garantendo così il riconoscimento dell’artista e il rispetto del suo lavoro.
Per coloro che desiderano utilizzare le opere d’arte digitali per fini commerciali, come pubblicità o prodotti, è necessario contattare direttamente l’artista per ottenere una licenza ad uso commerciale. Questo garantisce che l’arte sia utilizzata in modo appropriato e che l’artista riceva il riconoscimento e il compenso che merita per il suo lavoro.
È importante sottolineare che il semplice download elettronico dell’immagine o la concessione di una licenza per la riproduzione non conferisce alcun diritto, titolo o interesse sull’opera d’arte. Ciò significa che, nonostante il possesso del file digitale, l’acquirente non diventa il proprietario dell’opera stessa, ma ha il privilegio di godere della sua bellezza e condividerla con il mondo digitale.
In conclusione, l’opzione di scaricare arte digitale e acquistare file digitali apre nuove porte alla fruizione e alla condivisione dell’arte. Con una varietà di opzioni di utilizzo, dalla stampa personale alla condivisione online, l’arte digitale a mio avviso si presenta come una forma versatile e accessibile di espressione artistica.
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Il packaging di un’opera d’arte è spesso sottovalutato, ma svolge un ruolo cruciale nella protezione e nella presentazione dell’opera stessa. Non si tratta semplicemente di un involucro, ma di un elemento che può influenzare significativamente la percezione e il valore dell’ opera.
Elenco alcuni punti che secondo me rendono importante l’uso di un packaging adeguato.
➡️ Protezione dall’ambiente:
Il packaging protegge l’opera d’arte dagli agenti atmosferici dannosi come l’umidità, la polvere e la luce solare diretta.
➡️Prevenzione dei danni fisici:
Un packaging robusto può prevenire danni fisici all’opera d’arte durante il trasporto. Imballaggi specializzati come schiume sagomate, pellicole protettive e supporti interni possono assorbire gli urti e ridurre il rischio di rotture o graffi.
➡️ Presentazione professionale:
Il modo in cui un’opera d’arte viene confezionata può influenzare la sua presentazione complessiva. Un packaging elegante e professionale può aumentare il prestigio dell’opera e suscitare un’impressione positiva nei confronti degli acquirenti.
➡️Comunicazione del valore:
Il packaging può comunicare il valore dell’opera d’arte e conferire un senso di esclusività. L’uso di materiali di alta qualità, design personalizzato e dettagli curati può suggerire che l’opera sia preziosa e meriti attenzione.
➡️ Attenzione verso il committente :
Per gli acquirenti, l’apertura del packaging può essere un momento emozionante e significativo. Un’opera d’arte presentata in un packaging ben curato può creare un’esperienza memorabile e contribuire alla soddisfazione complessiva dell’acquisto.
➡️Sostenibilità ambientale:
Oltre alla protezione dell’opera d’arte, il packaging può anche essere progettato con criteri di sostenibilità ambientale. L’uso di materiali riciclabili, biodegradabili o a basso impatto ambientale dimostra un impegno per l’ambiente e può influenzare positivamente.
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Sally è pronta per prendere posto accanto agli altri ritratti che ho eseguito per questa committenza, sono molto felice quando ritornano a chiedermi un ritratto. Corriere prenotato, non mi resta che impacchettare con cura…e attendere con ansia che avvenga la consegna.
“Miniature del Cuore”. Mini Ritratti Animali, dove l’arte incontra i dettagli e le emozioni. Questo progetto artistico cattura la vivacità degli animali attraverso un’oculata precisione in formato ridotto… uno sguardo ravvicinato che rivela la bellezza e la complessità di creature dalle piume, pellicce o squame. Con amorevole attenzione ai dettagli, ritraggo il tuo animale. Un viaggio visivo straordinario e delicato.”
Piccoli ritratti cm 10×10, piccole opere per farsi un regalo o fare un regalo unico ma non troppo costoso, rifinite da una semplice ma piacevole cornice. Anche se di modeste dimensioni questi ritratti non saranno privi di particolari.
Aggiornamenti dal mio mondo creativo: come avrete letto sul mio blog o in un post sulla mia pagina Facebook , sento il bisogno di dedicare più tempo alla mia arte, allontanandomi momentaneamente dai ritratti su commissione. Tuttavia, di fronte alle vostre richieste, ho deciso di proporre ritratti in formato ridotto, dei mini ritratti. Questa scelta mi consentirà di esplorare appieno la mia passione artistica senza trascurare chi desidera un ritratto del proprio animale. Grazie per il vostro sostegno costante e la comprensione della mia evoluzione artistica! SEGUITEMI per i prossimi aggiornamenti… entrerò più nel dettaglio….
Durante questo mese sto portando a termine le ultime commissioni, vi mostro qui parte di un lavoro, vi presento Sally, la committente nel corso degli anni mi ha dato la possibilità di ritrarre deversi suoi animali, è appagante quando le persone ritornano per chiedere altri ritratti.
Umberta Ruffini Blog - Arte ispirata dalla Natura 